Las mejores películas de 2018

En un año definido por división, en lo único en lo que todos estábamos de acuerdo eran en las películas. ¡Es una broma! En todo caso, el discurso cinematográfico se volvió más polémico y fracturado que nunca en 2018, que comenzó con un batalla por el alma de la franquicia más popular del mundo y pasó de ahí a los debates sobre el valor de Netflix y ver películas en la pantalla grande, la política de una película biográfica sobre un icono estadounidense , la importancia de la representación no solo en el cine, sino también en la crítica y, por supuesto, elegir un bando en el gran enfrentamiento de taquilla del año, Lady Gaga contra Tom Hardy como un monstruo sexy y babeante. Si el consenso alguna vez existió realmente en la cúpula del trueno de la opinión cinematográfica, Internet lo ha matado oficialmente. Demonios, incluso el favorito de la crítica del año (ver nuestro número 7 a continuación) tiene sus detractores muy vocales.

Todo lo cual es decir que El A.V. Club El resumen de las mejores películas de 2018 está destinado a enfadarte. Infierno, nosotros apenas podía estar de acuerdo, que es una de las razones por las que publicamos, como lo hacemos todos los años, las papeletas individuales de contribuyentes. Pero si la siguiente lista es poco más que una instantánea de lo que a este grupo particular de cinéfilos le encantó durante los últimos 12 meses, es una que reconoce un espectro de éxitos, desde documentales íntimos hasta giros visionarios del cine negro y una curiosidad tardíamente completada de un maestro muerto del medio. (Netflix, hay que admitirlo, tuvo un buen año, y está representado en consecuencia). Porque aunque no nos entusiasmaban todas las mismas películas, había muchas películas dignas de entusiasmo. En eso, con suerte, todos puede de acuerdo.



Anuncio publicitario

25. Cuidando la brecha

Foto: Kartemquin

De la casa que daba al frente Sueños de esperanza llega otro documental absorbente y desgarrador sobre la mayoría de edad en la franja económica del Medio Oeste estadounidense. Son las tablas, no el baloncesto, lo que los jóvenes sujetos de Cuidando la brecha visto como una escotilla de escape, cuando eran adolescentes librándose, una tarde a la vez, del trauma compartido de sus vidas hogareñas. Bing Liu, el director, fue uno de ellos, un cineasta en ciernes que graba videos de patinaje con sus amigos. Al regresar a sus antiguos terrenos de Rockford, Illinois, se pone al día con estos compañeros de la infancia, todavía atormentados por el abuso que experimentaron cuando eran niños, que ha dado forma a su edad adulta de maneras obvias y no tan obvias. Como de costumbre, el modelo de filmación a largo plazo de Kartemquin rinde enormes dividendos dramáticos. Pero Liu está tan interesado en dónde han estado estas vidas reales como hacia dónde se dirigen, porque los dos están íntimamente relacionados, solo una profunda lección de su retrato multifacético de niños que se convierten en hombres, tratando de dejar atrás a sus demonios en el camino. [AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Dowd]


24. Una fábrica de pan

Foto: In The Family LLC



Tal vez diga algo sobre el estado del mundo que muchas de las mejores películas del año (incluidas las que están en la parte superior de esta lista) abordan preguntas sobre cómo nos relacionamos con los demás. Por un lado están las historias de privación, alienación y hastío; por otro, las historias de comunidades y grupos de apoyo heterogéneos. La ambiciosa comedia de Patrick Wang en dos partes sobre el arte y la política local cae directamente en la última categoría. Ejecutando 242 minutos combinados, Una fábrica de pan se vuelve más surrealista a medida que avanza, ya que artistas de performance con trajes espaciales invaden un pequeño pueblo, los niños se apoderan de un periódico local y varios personajes desaparecen, pierden sus recuerdos o desaparecen en roles. (La segunda parte francamente antirrealista incluye, entre otras cosas, una rutina extendida de tap con temas de mensajes de texto, un número musical hilarante y un cuarteto a cappella de agentes inmobiliarios). fusión improbable de enfoques que se mantiene fiel al espíritu del bricolaje. [Ignatiy Vishnevetsky]

Anuncio publicitario

23. Shirkers

Foto: Netflix

En Singapur de 1992, Sandi Tan y sus dos mejores amigas decidieron hacer una road film independiente con su enigmático profesor de cine Georges Cardona. Inspirado por los autores independientes estadounidenses de la época, su película, Shirkers , estaba a punto de crear un nuevo cine nacional. Pero al final del rodaje, Cardona se fugó con el metraje y nunca más se la volvió a ver. Más de 25 años después, Tan recuperó el metraje (sin sonido) y elaboró ​​un documental al estilo de las memorias sobre la turbulenta realización de la película y sus consecuencias, recuperándola de las manos de su mentor sociópata. Mientras que la historia de Shirkers fascina por derecho propio, la película de Tan también sirve como un tributo a los artistas underground de antaño. Tan y sus amigos, con su sindicato clandestino de cintas de vídeo y fanzines internacionales, fueron pioneros de la contracultura cuando y donde eso todavía significaba algo. El Shirkers El documental se siente tanto como una reliquia artesanal de otra época como su inspiración original, perdida y encontrada, lo que hace que su lanzamiento de Netflix sea aún más irónico. [Vikram Murthi]




22. Madeline de Madeline

Foto: Películas de osciloscopio

Como un relámpago, Helena Howard salió de la nada y arrasó todo a su paso. The New Yorker era solo una adolescente cuando aceptó el papel principal en el drama amorfo y vigorizante de Josephine Decker sobre la tensa relación entre una joven actriz inestable, su madre bien intencionada (Miranda July) y la directora (Molly Parker), cuyo amor sincero por su nueva musa tiene un toque vampírico. Howard no oculta su edad actuando como adulto. En cambio, clava sus uñas en el caos de la adolescencia, el torbellino interno de posibilidad y rabia y excitación ocasional de la que puede emerger un actor apasionado. También hay madurez en eso, ya que tanto Howard como Madeline se destacan al abrazar la espontaneidad y la imperfección que pueden conducir a grandes actuaciones de todos los tiempos. Esperamos que los relámpagos vuelvan a caer pronto. [Charles Bramesco]

Anuncio publicitario

21. ¿Puedes perdonarme?

Marielle Heller's ¿Puedes perdonarme? es técnicamente una película biográfica de una biógrafa, Lee Israel (Melissa McCarthy), que recurre a falsificar y embellecer cartas de escritores fallecidos cuando tanto su vida como su carrera sufren un gran bajón a principios de los noventa. Pero la película funciona mejor, quizás, como un retrato de un misántropo que se encuentra completamente fuera de sintonía con una cultura que una vez la abrazó. McCarthy templa su amplia sensibilidad cómica a favor de la frustración espinosa, lo que resulta en la mejor actuación de su carrera. Junto a ella, Richard E. Grant da otro en una larga carrera de giros estelares como Jack Hock, el compañero gay de Israel en el crimen / compañero de bebida. El enfoque discreto y centrado en los detalles de Heller rinde grandes frutos en una película que vive y muere por su estética de época. También encuentra una cálida empatía por sus sujetos cáusticos y borrachos. Las personas difíciles, después de todo, merecen amor y reconocimiento tanto como las agradables. [Vikram Murthi]


20. Vida privada

Foto: Netflix

Esta es mi vida privada, grita Danny Elfman en la canción de Oingo Boingo del mismo nombre. Ven y sácame de aquí. Así es más o menos cómo se sienten Rachel (Kathryn Hahn) y Richard (Paul Giamatti) en el tan esperado tercer largometraje de Tamara Jenkins, que explora en un minuto, a menudo insoportable, los esfuerzos hercúleos de esta pareja infértil por concebir o adoptar un hijo. Jenkins aparentemente pasó por mucho de esto ella misma (lo que explica en parte por qué han pasado 11 años desde Los salvajes ), y ella enhebra la aguja con destreza, encontrando formas de hacer que su calvario sea escrupulosamente preciso y enormemente entretenido. Y la narrativa que emerge gradualmente, en la que Rachel y Richard se convierten en padres sustitutos de su sobrina en edad universitaria (Kayli Carter), quien se ofrece como voluntaria para ser donante de óvulos, transmite bellamente la idea de que el amor y la guía no necesariamente requieren una familia tradicional. estructura, y que a veces encontramos lo que buscamos sin ni siquiera darnos cuenta. [Mike D'Angelo]

Anuncio publicitario

19. Ladrones de tiendas

Foto: Magnolia Pictures

En los momentos iniciales del ganador de la Palma de Oro de Kore-eda Hirokazu Ladrones de tiendas , un hombre y un niño intercambian un asentimiento que es a la vez solemne, juguetón y asombrosamente eficiente. Nos dice que estos dos están conectados, practicados, que están aquí para trabajar, pero que el trabajo es divertido. Están robando, y es un ritual necesario pero agradable. Esa densidad de significado corre a lo largo Ladrones de tiendas , que explora cómo las familias pueden ser elegidas y necesitadas, construidas sobre el amor y formadas por conveniencia, todo a la vez. Es una película de gentileza y compasión, que cobra vida gracias a un conjunto de actores tan comprometidos con la alegría y la poesía de la vida cotidiana como el director que los unió. Como un ladrón experimentado, Ladrones de tiendas sabe cómo dirigir su atención; es más que capaz de colarse mientras estás distraído y alojarse en algún lugar detrás de tus costillas, para no volver a irse nunca más. [Allison Shoemaker]


18. Apoyarse en Pete

Foto: A24

En primer lugar, Apoyarse en Pete parece ser la historia modestamente conmovedora de un adolescente solitario y sin madre llamado Charley (Charlie Plummer) que encuentra un propósito y una estructura en su vida al vincularse con un caballo de carreras pasado de su mejor momento. Partiendo de la novela de Willy Vlautin, el director Andrew Haigh ( Fin de semana , 45 años ) captura el miserable desorden del circuito, prestando igual atención al paciente, entrenador pragmático (Steve Buscemi) que toma a Charley bajo su ala, así como a uno de los jinetes de toda la región (Chloë Sevigny). Sin embargo, resulta que este es un señuelo magistral. A mitad de la película, Charley se entera de que su mejor amigo está a punto de convertirse en pegamento, se roba Lean On Pete y se dirige a buscar a su tía, un viaje que se vuelve cada vez más sombrío, volviéndose menos sobre las relaciones entre humanos y equinos que sobre los peligros de no tener apoyo. sistema en América. Es como si el chico de El semental negro se convirtió en el personaje de River Phoenix de Mi propio Idaho privado , y tan vigorizante como sugiere. [Mike D'Angelo]

Anuncio publicitario

17. Isla de los perros

Foto: Fox Searchlight

Lo que la última incursión de Wes Anderson en la animación stop-motion carece de una trama intrincada o un trabajo detallado de los personajes, lo compensa con puro deleite visual. Repleto de impresionantes juegos formales y aguda comedia verbal, Isla de los perros es difícil de igualar para el placer momento a momento. Al contar una historia familiar de un niño y su perro en la metrópolis japonesa ficticia de Megasaki, Anderson ha elaborado algunas acusaciones válidas de apropiación cultural. Pero la pura abarcar de los estilos estéticos que utiliza aquí es a menudo impresionante, evidenciando un compromiso considerado (si no necesariamente profundo) con la cultura japonesa. En este punto de su carrera, la caja de herramientas estéticas ahora familiar del director es probable que se dé por sentada, y aunque nuevamente está trabajando con imágenes políticamente cargadas (como en El Gran Hotel Budapest ), la seriedad emocional de la película es inconfundible. Pero el sentimentalismo tiene su lugar, y un artilugio de Rube Goldberg ingeniosamente ensamblado que afirma el valor de la lealtad de perro no es nada de lo que burlarse. [Lawrence García]


16. Hereditario

Foto: A24

Desde que Marion Crane se dio la última ducha de su corta vida, una película de terror no ha roto de manera tan cruel y efectiva la falsa sensación de seguridad de la audiencia. Capaz de enfriar a la multitud de multicines más hastiada en silencio, lo figurativo y literal cisma que llega temprano al largometraje debut desgarradoramente logrado de Ari Aster es un microcosmos por su sofisticado terrorismo emocional: la forma en que utiliza los sentimientos desagradables que se propagan a través de los dormitorios y las mesas del comedor para poner los nervios de punta, ganduleando sus sustos impecablemente elaborados. Algunos no vieron una relación significativa entre Hereditario El angustiado drama familiar y la pesadilla sobrenatural que lo consume, incluso con Toni Collette, en la actuación más apasionante y volátil del año, crea continuidad entre ellos con cada inquietante contorsión de sus músculos faciales. Pero llamar a los dos incompatibles es pasar por alto el significado completo del diseño diabólico de la película, incluida la lógica retorcida de su resultado: una especie de final feliz para cualquiera que alguna vez haya buscado significado en una tragedia sin sentido o haya transferido la responsabilidad de sus desgracias a un poder mayor. que ellos mismos. [AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Dowd]

Anuncio publicitario

15. El favorito

Foto: Fox Searchlight

La impredecible descendencia de Jane Austen, Barry Lyndon , Ken Russell y un video musical de Hype Williams, El favorito es el drama de disfraces más reciente que se haya presentado en mucho tiempo. El director Yorgos Lanthimos, el provocador cerebral detrás Colmillo y La langosta , proporciona un contrapeso vigorizante al guión alegremente sucio y viciosamente ingenioso de Deborah Davis y Tony McNamara sobre la reina inglesa del siglo XVIII Anne (Olivia Colman) y las mujeres nobles, interpretadas por Rachel Weisz y Emma Stone, en guerra por su afecto. Los actores son eléctricos, al igual que la química entre ellos, y Lanthimos captura su lucha por el poder a través de florituras tan excesivas como los apetitos de las élites ociosas de la historia. Piense en un pastel de ron dulce y pegajoso perfumado con un leve toque de cianuro. O tal vez de Dorothy Parker enloquecida por la sífilis, brindando en una carrera de tres patas donde el perdedor es devorado al final. [Katie Rife]


14. No dejar rastro

Foto: Calle Bleecker

Han pasado ocho años desde que la escritora y directora Debra Granik y la escritora y ora Anne Rosellini debutaron su magnífica Hueso de invierno y ayudó a lanzar a la entonces adolescente Jennifer Lawrence al estrellato. El temáticamente similar No dejar rastro puede hacer lo mismo por su estrella de 18 años Thomasin McKenzie, que es a la vez magnético y desgarrador como Tom, la ingeniosa hija de un veterano de la guerra de Irak con enfermedad mental (Ben Foster). Mientras la pareja recorre el noroeste del Pacífico, en busca de lugares para ponerse en cuclillas fuera de la red, McKenzie capta el complicado dilema de la joven: quiere cuidar de su padre, incluso cuando se da cuenta de que su daño puede ser irreparable. No dejar rastro es a la vez una aventura en la naturaleza, una imagen de la mayoría de edad y un retrato sensible de un niño que lucha por reconocer que es posible que deba cortar sus lazos familiares. [Noel Murray]

Anuncio publicitario

13. BlacKkKlansman

Foto: Funciones de enfoque

El relato tragicómico de Spike Lee de una operación encubierta improbable en Colorado Springs durante los años 70: un policía negro (John David Washington) usa a su socio judío (Adam Driver) como sustituto para que puedan jugar juntos al topo en el KKK local. como un regreso a la forma de un director que nunca perdió su toque. Apúntelo a la puntualidad ardiente y específica, en particular al final escalofriante que empuja la violencia y el fanatismo fuera de la pantalla y hacia nuestra realidad. Lee encuentra muchos tonos de gris entre el blanco y el negro, ya que un individuo moralmente en conflicto se ve atrapado en un tira y afloja ideológico entre la fuerza policial que ama incluso cuando no lo ama y los radicales del poder negro que puede. No me dejes llevar por completo. Disputas intersectarias sobre la praxis, diálogo cargado sobre políticas de identidad, culpa por la inacción en tiempos de crisis: Lee toma todo lo lúgubre del discurso moderno, lo pega con cinta adhesiva a un paquete de fuegos artificiales posteriores a la explotación y enciende la mecha. [Charles Bramesco]


12. Pura sangre

Foto: Funciones de enfoque

Pura sangre no se ocupa directamente de las vidas saturadas de redes sociales de los adolescentes de hoy. En todo caso, el arreglo parecido a un amigo entre Lily (Anya Taylor-Joy) y la indiferente e insensible Amanda (Olivia Cooke) tiene los adornos retro del dinero antiguo: pasan el rato en la mansión de Lily en Connecticut, a menudo mirando en la televisión, con Lily recibiendo el pago a la tutora del SAT, Amanda. Sin embargo, una sensación de aislamiento muy contemporánea, y una relación muy complicada con la empatía, se encuentra en todo el thriller de planes de asesinato de Cory Finley, una especie de riff sobre Extraños en un tren . En otras palabras, Pura sangre es el tipo de película que solía hacer Brian De Palma, aunque menos morbosamente febril y, en dosis cuidadosamente administradas, más inesperadamente conmovedora. Lily y Amanda pueden ser adolescentes, pero se han movido más allá de la cuestión de cómo navegar por la cafetería de la escuela secundaria, y en su lugar se han propuesto calcular cómo abrirse camino en un mundo real desafiado por la empatía. [Jesse Hassenger]

Anuncio publicitario

11. Si Beale Street pudiera hablar

Foto: Annapurna Pictures

La deslumbrante adaptación de Barry Jenkins de una novela de 1974 de James Baldwin se acerca al amor floreciente entre Tish (Kiki Layne) y Fonny (Stephan James) con gran reverencia, el director de fotografía James Laxton captura el brillo casi interno que irradian, mientras la partitura de Nicholas Britell se hincha y se desvanece. . Sin embargo, un trasfondo de tragedia atraviesa incluso los momentos más soleados de la película, no solo los más difíciles. La historia de Baldwin, notablemente adaptada por Jenkins como continuación de la ganadora del Oscar luz de la luna , mira la injusticia que atraviesa la vida de los negros estadounidenses con la misma mirada firme que la película pone en sus momentos de ternura. Todo está ahí, encontrado en el cielo azul; en las esculturas de Fonny; en las reflexivas actuaciones de Layne, James y los destacados Regina King, Colman Domingo y Brian Tyree Henry; y en el calor que pasa entre dos palmas juntas, incluso cuando están separadas por un vaso. [Allison Shoemaker]


10. El otro lado del viento

Foto: Netflix

Citar Twin Peaks : ¿Qué año es este? Después de más de cuatro décadas languideciendo en el limbo de la postproducción, el proyecto final de Orson Welles llega como una misiva de una época pasada. Nada menos que un acto hercúleo de cirugía reconstructiva, El otro lado del viento cuenta una historia ostensiblemente familiar de protegido (Brooks Otterlake de Peter Bogdanovich) superando al mentor (Jake Hannaford de John Huston), aquí en el contexto del Hollywood de los 70. Pero también es una implosión delirante y tremendamente entretenida de metatexto inestable, lleno de devoluciones de llamada ininterrumpidas, bon mots fulminantes y envíos apenas velados de personalidades contemporáneas, por no mencionar algunas de las películas más eléctricas (y descaradamente libidinosas). de la legendaria carrera de Welles. Cambiando libremente entre imágenes en blanco y negro y fotografías en colores espeluznantes, es un objeto verdaderamente prismático, una especie de cristal agrietado que es aún más fascinante por sus supuestos defectos. Ponerlo en una lista de fin de año se siente inadecuado. [Lawrence García]

Anuncio publicitario

9. Realmente nunca estuviste aquí

Foto: Amazon Studios

La última inmersión de la directora Lynne Ramsay en las trincheras más profundas y diabólicas de la psique humana está tan fracturada como la conciencia de su protagonista, el asesino a sueldo físicamente intimidante y psicológicamente frágil Joe (Joaquin Phoenix). Ramsay oscila entre la subestimación y el exceso con bravuconería, una táctica desestabilizadora que inyecta cada silencio cargado con una sensación de pavor palpable. El resultado es un estado de fuga impresionista de una película que ilumina momentos de violencia indescriptible con la indiferencia cegadora de un flash, una serie de fotografías Polaroid escondidas debajo de un colchón sucio y manchado de sangre en una habitación de hotel arruinada en Skid Row. Pero a pesar de toda su misantropía lúgubre y de anchos hombros, Nunca estuviste listo aquí también encuentra tiempo para momentos de belleza simple y virgen, efímeros, pero hermosos a pesar de todo. [Katie Rife]


8. Primer hombre

Foto: Universal Pictures

Después de abordar la obsesión musical en Latigazo y La La Land , Damien Chazelle se lanzó a la luna con esta notable película biográfica sobre Neil Armstrong (Ryan Gosling), la primera persona en pisar su superficie gris y polvorienta. Trazando paralelismos entre la personalidad remota de Armstrong y la lejanía del espacio, las ambigüedades humanas y las incógnitas cósmicas, Primer hombre reformula la misión Apolo 11 como la historia de un hombre que se alejó más del resto de las especies de lo que nadie había ido antes y regresó. El elenco es de primera categoría (especialmente Claire Foy como Janet Armstrong, la esposa del astronauta), pero la claustrofobia de lata, el terror que hace girar la cabeza y, en última instancia, las imágenes trascendentes de las secuencias de entrenamiento y misión es el logro técnico singular de la película. Puede parecer un mundo alejado (literalmente) de los números musicales de la última película de Chazelle, pero sus temas son tan conflictivos y melancólicos como siempre: la perfección y la ansiedad, la necesidad de conectar y la necesidad de escapar. [Ignatiy Vishnevetsky]

Anuncio publicitario

7. Roma

Foto: Netflix

Alfonso Cuarón siguió su película de ciencia ficción de gran éxito Gravedad con algo inesperado: una vida íntima, semiautobiográfica, ambientada a principios de los 70 en la Ciudad de México. ¿Aún más sorprendente? Roma tiene tanto estilo cinematográfico como las anteriores películas de fantasía y comedias sexuales del director. Filmada en blanco y negro de ensueño (con el propio Cuarón como director de fotografía), la película rastrea la disolución de un matrimonio, así como los cambios sociales en México, todo a través de los ojos de la criada de una familia de clase media, Cleo (Yalitza Aparicio). En tomas largas y asombrosamente bien coreografiadas, Cuarón crea la impresión de un mundo más grande corriendo por la ventana de una casa cada vez más disfuncional. Pero su cámara sigue encontrando el camino de regreso a Cleo, mientras ella maneja los dramas domésticos más pequeños, incluidos algunos de los suyos, mientras contempla en silencio lo que le da sentido a su vida. [Noel Murray]


6. La balada de Buster Scruggs

Foto: Netflix

Todo el mundo conoce el viejo dicho de que las películas de antología son menos que la suma de sus partes; es una historia tan antigua como el vaquero cantante o la historia de fantasmas de la diligencia. Joel y Ethan Coen deberían estar especialmente familiarizados, habiendo contribuido a Paris yo te amo y enfrentó suposiciones que La balada de Buster Scruggs realmente se suponía que iba a ser una serie de televisión. Pero es difícil imaginar dividir sus seis mini películas occidentales en una temporada de Netflix, porque se complementan con mucha gracia. Ambientada en un cautivador inframundo entre la crueldad implacable de la vida real y la pulpidez de los cuentos de cuentos, las historias van desde una payasada musical deliciosamente mordaz protagonizada por Tim Blake Nelson hasta un desgarrador desgarrador protagonizado por Zoe Kazan, por nombrar solo dos destacados. La muerte acecha todo el asunto, que se basa en The Mortal Remains, simultáneamente hilarante y silencioso, tan satisfactorio y embrutecido por el lenguaje como los Coen han inventado. Su perspectiva a veces fatalista los ha etiquetado como nihilistas, un grupo al que atacaron salvajemente, así como a cualquiera en El gran Lebowski . Pero los nihilistas no piensan tanto en los finales. [Jesse Hassenger]

Anuncio publicitario

5. Octavo grado

Foto: A24

La mayoría de las películas sobre adolescentes, incluso las buenas, no pueden captar la pura intensidad emocional de la experiencia adolescente. Octavo grado no es la mayoría de las películas sobre adolescentes. El debut como director del comediante Bo Burnham es tan visceralmente incómodo que ocasionalmente se reproduce como una película de terror, mientras que es lo suficientemente empático como para nunca tener que recurrir al valor del impacto para que el público se retuerza. La estrella Elsie Fisher es igualmente esencial para la resonancia de la película, interpretando a Kayla, una niña de octavo grado dolorosamente insegura y obsesionada con los teléfonos inteligentes con una vulnerabilidad que sería notable para un actor de cualquier edad, y mucho menos para uno demasiado joven para conducir. Quieres abrazarla y arrebatarle el teléfono de la mano al mismo tiempo, un remolino de reacciones que Burnham y Fisher manipulan hábilmente en una sinfonía de mortificación cálida, observadora e infinitamente identificable. [Katie Rife]


4. Primero reformado

Foto: A24

A su vez, reflexivo e indignante, el drama de Paul Schrader sobre un ex capellán militar alcohólico (Ethan Hawke, en una de sus mejores actuaciones) lleva el interés de toda su carrera de guionista-director por la contemplación y la autodestrucción grotesca y gratuita a nuevos extremos. Como ministro y cuidador de una vieja iglesia de tablillas en el norte del estado de Nueva York, el reverendo Toller deprimido y de voz suave de Hawke lucha con la promesa traicionada del cristianismo y con los secretos de una joven viuda mariana (Amanda Seyfried) cuyo esposo dejó atrás a una mujer. chaleco suicida explosivo. El material puede tomarse prestado de Ingmar Bergman Luz de invierno , De Robert Bresson Diario de un sacerdote rural y el propio guión de Schrader para Conductor de taxi , pero Primero reformado La visión perturbada del moderno fin de los tiempos del terrorismo y el desastre ecológico es muy propia. A pesar de su ascetismo visual cuadrado, el resultado es una de las películas más ricas de Schrader, y es probable que crezca en el espectador, como lo ha hecho con este escritor. [Ignatiy Vishnevetsky]

Anuncio publicitario

3. Guerra Fría

Foto: Amazon Studios

El drama alternativamente frío y de sangre caliente de Pawel Pawlikowski (que se estrena en estreno limitado el viernes) se inspiró supuestamente en la relación turbulenta de sus propios padres, pero el horizonte de la película, como sugiere su título, es considerablemente más amplio que eso. En lugar de simplemente narrar la pasión intermitente del musicólogo / músico Wiktor (Tomasz Kot) y la cantante Zula (Joanna Kulig), Pawlikowski lo usa como un sustituto de la vida en el bloque soviético a mediados del siglo XX. al mismo tiempo que elabora una metáfora geopolítica para el tipo de historia de amor que prospera solo cuando se enfrenta a obstáculos. Como Ida , es una imagen en blanco y negro brillantemente hermosa, filmada en la proporción cuadrangular de la Academia; aquí, el marco apenas puede contener el descaro de una actuación de Kulig, idealmente combinado con la pasividad enloquecedora de Kot. Como puede atestiguar Sean Penn, hacer que lo personal sea político es un asunto complicado. Guerra Fría lo saca sin sudar. [Mike D'Angelo]


2. Apoya a las chicas

Foto: Magnolia Pictures

Muchas películas realizan contorsiones grotescas (o actos extraordinarios de negación) para evitar mostrar a sus personajes en el trabajo, al menos si su trabajo no es policía, abogado o agente secreto. ¿Y quién puede culparlos, de verdad? Mucho trabajo es un trabajo demoledor, algo que Apoya a las chicas entiende intuitivamente, tan intuitivamente que el guionista y director Andrew Bujalski no necesita hundir a sus personajes en un pantano de miseria para reconocer la monotonía de trabajar en Double Whammies, una especie de Hooters de los pobres en los suburbios de Texas. Aplicando una estructura de un día loco a un día que no es tan loco, Bujalski sigue a Lisa (Regina Hall), la gerente del restaurante, mientras interpreta a la jefa, empleada obediente, consejera y madre, según la crisis que esté abordando. . Hall, exactamente en el tipo de actuación que es demasiado arraigada y verdadera para recibir la atención de los premios que se merece, muestra un hábil dominio de las sutiles diferencias entre nuestros diversos yoes (trabajo, familia, fusiones incómodas de los dos) a las que tantos trabajadores se ven obligados para navegar. Sin embargo, a pesar de su realismo sin salida, esta también es una película cálida y divertida, con giros secundarios infinitamente encantadores de Haley Lu Richardson, Shayna McHayle y Dylan Gelula. La monotonía en el lugar de trabajo no excluye los destellos de humanidad, y la humanidad no garantiza un final feliz, como indican los planos finales perfectamente abiertos de la película. [Jesse Hassenger]

Anuncio publicitario

1. Incendio

Foto: Well Go USA

Una comedia completamente seca de lucha de clases. Un desconcertante misterio de una persona desaparecida digno de Hitchcock o Antonioni. Una meditación existencial sobre las pequeñas y grandes ansias que nos impulsan. No existe una única forma correcta de clasificar Incendio , entonces, ¿por qué no llamarla la mejor película del año y dejarlo así? Al regresar después de una pausa de ocho años de la realización cinematográfica, el maestro surcoreano de la grabación lenta Lee Chang-dong ( Poesía ) capturó más que perfectamente la ambivalencia subjetiva del cuento original de Haruki Murakami, Barn Burning. Al extenderlo para llenar dos horas y media a un ritmo perfecto, también extrajo de su material original una gran cantidad de nuevos significados y ambigüedades, que se filtran a través del triángulo amoroso que envuelve a un escritor introvertido (Ah-in Yoo), su compañero de clase de su ciudad natal convertido en enamorado (Jong-seo Jun), y su nuevo novio elegante y rico (Steven Yeun, increíblemente repugnante en un papel complicado). No hacía falta mirar mucho para ver una pertinencia inquietante en el hervidero de resentimientos de la película, la rabia de la clase trabajadora y explícitamente masculina que se convierte en un clímax impactante. (No en vano Donald Trump hace un cameo televisado). Incendio El poder es más atemporal que oportuno, ubicado como está en grandes preguntas sin respuestas claras: verdaderos acertijos del deseo, el anhelo y la motivación, ninguno más fácil de resolver que la desaparición en el centro de este cautivador enigma. [AUTOMÓVIL CLUB BRITÁNICO. Dowd]